Border

“Border”- “Grans”, Suécia, Dinamarca, 2018

Direção: Ali Abbasi

Estranhamento, repulsa, desconforto. É o que as pessoas geralmente sentem quando confrontadas com outro ser humano diferente delas mesmas. A polidez social manda que façamos de conta que não estamos perturbados. Apenas desviamos o olhar, seja da incapacidade, seja da deformação.

“Border” é uma fábula sobre esse fato que reconhecemos em nós mesmos. Vamos encontrar Tina, uma agente de alfândega (interpretada por Eva Melander, atriz fantástica), que no mínimo, é muito feia. Seu rosto de testa larga e curta, a pele grossa e com cicatrizes, o cabelo hirsuto e a expressão estranha, sempre com a boca aberta mostrando dentes grandes e amarelos, causa repulsa.

Ela parece um ser selvagem, saído de uma fotografia antiga ou desenho, mas não existente no mundo real. Diga-se de passagem que o trabalho de maquiagem é excepcional.

E, no entanto, ela é uma agente alfandegária indispensável naquele porto onde atracam navios e balsas vindas de outros países, trazendo toda sorte de passageiros. Tina funciona como um detector de coisas proibidas nas malas que eles trazem consigo. Mais, sabe quem tem um sentimento de culpa, raiva ou qualquer outro sentir inadequado. Seu nariz capta tudo isso com facilidade.

Tina vive numa casa na floresta próxima com um companheiro com quem parece não se dar bem. E é hostilizada pelos cães dele que vivem presos num canil ao lado da casa.

Assim que chega do trabalho, descalça, corre para a floresta onde finalmente se sente em casa. Raposas e alces não se assustam com a sua presença. Lá ela está livre de olhares hostis.

Um certo dia, um homem estranhamente parecido com Tina passa pelo posto que ela ocupa. Ela sente algo indefinível nele. Seu faro não sabe distinguir o que é que ela não está identificando em Vore (Eero Milonoff).

Claro que se reencontram e Vore parece libertar Tina da sensação de ser um monstro, porque ele conta para ela quem ela é. Pertencem os dois a um mesmo povo e ele a convida para se juntar a eles.

A cena de sexo entre os dois é curiosa e estranha para quem só acha normal o que conhece.

E mais não digo porque o espectador precisa ver para crer nas surpresas que o diretor Ali Abbasi, de origem iraniana, preparou na tela, inspirado pela história escrita e adaptada para o cinema por John Ajvide Lindquist, o mesmo autor do roteiro de “Deixa ela Entrar”.

Qual a fronteira que define o que é ser humano? Essa é a questão central do filme, que remete à empatia com o diferente e à pluralidade de gêneros.

Se você quer ver um filme criativo e estranho mas com uma mensagem contemporânea, não perca “Border”, que encantou a plateia do mais recente Festival de Cannes, onde ganhou o prêmio da Mostra “Un Certain Regard”.

O Pianista

“O Pianista”- “The Pianist”, França, Reino Unido, Alemanha, Polonia, 2002

Direção: Roman Polanski

Tudo se passa em Varsóvia e começa em 1939, ano do início da Segunda Guerra. Vemos cenas em preto e branco da cidade e seus habitantes. E, quando chega a cor, o jovem pianista (Adrien Brody), elegante em seu terno cinza claro, toca Chopin lindamente, o Noturno Póstumo, na Rádio Nacional de Varsóvia.

Wladislaw Szpilman (1911-2000) vai viver uma história trágica e emocionante naqueles anos de guerra e vai escrever um livro que será adaptado para o cinema e dirigido por Roman Polanski, nascido na França mas de pais poloneses que voltaram para a Polonia em 1935 e onde Polanski viveu a morte da mãe e da irmã durante a guerra.

No filme, se bem que os alemães já comandassem a destruição em Varsóvia, o pianista que insiste em tocar, finalmente larga as teclas, quando uma explosão estilhaça as vidraças da sala da Rádio Nacional. Tudo se enche de poeira e detritos.

A partir desse momento será contada a história do tristemente famoso gueto de Varsóvia, para onde os judeus da cidade foram obrigados a seguir, levando quase nada de seu. Crianças com suas mães, homens moços e velhos, mulheres, todos amedrontados, intuindo o que estava por vir.

Polanski nos apresenta uma reconstituição do que foi o infame gueto, lugar de dor e sofrimento, humilhação e desespero para todos que estavam lá, prisioneiros.

Soldados nazistas não poupavam sadismo e maldade na maneira como tratavam os “judeus imundos”.

Wladeck presencia os horrores que tornavam o viver ali um pesadelo sem fim. Ele toca o piano no acanhado restaurante do local, onde todos vendem tudo o que tem por um pedaço de pão.

O filme emociona e assusta. Seguimos o pianista pelas ruas onde jazem corpos sem vida, para em seguida assistir a fuzilamentos sem qualquer razão.

Mas o pior ainda estava por vir. Em 1942 começaram as deportações para os campos de extermínio. Wladeck perdeu toda a sua família. Foi o único que sobreviveu para contar essa história terrível. Ele, inclusive, presenciou a revolta do gueto. Homens corajosos lutaram com o pouco a seu dispor e ficaram na história, embora derrotados cruelmente.

A música nunca abandonou o pianista, mesmo quando tocava teclas imaginárias, ouvindo o som em sua mente.

A cena com o oficial nazista que pede para ele tocar o piano é trágica e bela. O pianista reencontra a força e a beleza que seus dedos nunca esqueceram na Balada

No 1 de Chopin.

Adrien Brody ganhou o Oscar de melhor ator por sua brilhante personificação de Szpilman. Roman Polanski levou o Oscar de direção e de melhor roteiro adaptado. E, entre outros inúmeros prêmios, “O Pianista” venceu a Palma de Ouro no Festival de Cannes.

É um filme que aperta o coração ao mostrar do que os homens são capazes de fazer aos seus semelhantes. Mas também enaltece a sensibilidade e o poder da arte como armas de sobrevivência. Magnífico.

Amor até as Cinzas

 

“Amor até as Cinzas”- Ash is Purest  White”, China, França, 2018

Direção : Jia Zhang-Ke

O documentário de Walter Salles sobre esse cineasta chinês, chama-se “Jia Zhang-Ke, um homem de Feniang”. Lançado internacionalmente em 2014, mostra a admiração que o diretor de “Central do Brasil” tem por ele.

No mais novo filme do diretor chinês há um par amoroso que pertence ao mundo dos gangsters. A palavra usada é “jianghu” e o título original é “Sons and Daughters of Jianghu - Jianghu Er Nev”. Mais do que somente membros de um submundo, eles se comportam obedecendo regras próprias de conduta, sendo a lealdade a principal qualidade.

O filme começa num nightclub em Datong, pequena cidade de mineração de carvão. Há uma sala de jogos no fundo e lá reina Bin (Fan Liao), chefe dessa espécie de máfia local. Sua amante, a bela Qiao (a extraordinária atriz, mulher do diretor e musa, Zhao Tao) é a única mulher entre todos aqueles homens rudes e parece íntima de alguns deles. Distribui tapas nas costas e risos.

Enquanto isso, os frequentadores do clube dançam ao som do Village People, “YMCA”, muito animados.

Estamos em 2001 e a antiga China vai desaparecendo aos poucos, em meio a mudanças tecnológicas e de valores. Já se vê uma ocidentalização, a China abraça o capitalismo e os direitos humanos são desrespeitados. Começa a época das grandes movimentações de populações que são desenraizadas e perdem suas aldeias, seu trabalho e tem que recomeçar a vida.

Assim também como o país, os amantes vão enfrentar dissabores.

O que muda o destino de Qiao e Bin é uma arma que ele toma de um dos jogadores e guarda com ele.

Já no carro, são interceptados por uma gangue de rapazes de moto que tiram Bin do carro à força e estão dispostos a matá-lo de pancadas. Desesperada, Qiao pega a arma ilegal e atira para o alto, assustando a gangue. Salvou a vida de Bin mas sua recompensa é a prisão. Ela não delata o companheiro e diz que a arma é dela. É condenada a 5 anos de prisão.

Quando é libertada em 2006, Qiao vai à procura de Bin, que nunca a visitara na prisão. Mesmo sabendo que ele estava com outra, queria ouvir ele dizer isso a ela, frente a frente.

A cena mais bonita e que dá nome ao filme é mostrada duas vezes com a bela fotografia do francês Eric Gautier. Um vulcão extinto, no meio de uma verde paisagem de verão e outra no melancólico outono, faz Qiao lembrar-se de algo que leu:

“- Dizem que as cinzas tem o mais puro branco porque passaram por altíssimas temperaturas...”

Qiao, a maravilhosa atriz Zhao Tao tem a pureza das cinzas. Ela continua forte e leal. Sofre e sobrevive como a China, mesmo tendo que pagar um alto preço, parece dizer o diretor Jia Zhang-Ke, um grande observador da natureza humana.

O Anjo

“O Anjo”- “El Angel”, Argentina, Espanha, 2018

Direção: Luis Ortega

Buenos Aires, 1971. Num bairro de gente rica, um garoto de 17 anos pula a grade e invade a propriedade, uma casa imensa. Despreocupado, ele atravessa o jardim e entra pela porta de vidro aberta. Vai andando casa adentro. Serve-se de uísque, põe na vitrola o disco “El Extraño de Pelo Longo” e dança com naturalidade e graça. Depois rouba o que encontra nas gavetas do quarto e sai com a moto que encontra na garagem.

Ele começa a invasão da casa perguntando m voz alta:

“- Será que mais ninguém quer ser livre? Eu sou ladrão de nascimento. “

Quem diria que o dono da cara de anjo, cabelos louros encaracolados, boca vermelha, olhos claros e bela figura vestida em jeans e tênis, que prezava a liberdade, viria a ser o prisioneiro que está por mais tempo na prisão argentina?

É como se Carlos (Lorenzo Ferro, novato excelente) não entendesse que fazia algo errado. Os primeiros roubos ele dá de presente aos amigos e as joias para a namorada e sua irmã gêmea. Em casa conta para os pais que as coisas que ele traz são emprestadas. Como a moto por exemplo.

Carlitos vem da classe média e seus pais, Aurora (Cecilia Roth, ótima) e Hector (Luis Gnecco) desconfiam da origem de tanta coisa. Ele é filho único, de pais carinhosos e atentos mas que não sabem o que fazer com o filho.

Na verdade, o poder de sedução de Carlitos era a sua maior arma. Todos ficavam hipnotizados com sua presença que emanava um carisma infantil, quase que paralisante. Era como se a fachada angelical impedisse ou tornasse impensável imaginar que ele era uma criatura do mal.

Mas houve uma escalada nas ações desse garoto que roubava por prazer. Ele passou a usar armas depois de tornar-se parceiro de Ramón (Chino Darín, filho de Ricardo, o maior ator argentino) e seus pais criminosos (Mercedes Morán e Daniel Fanego). Não demorou para tornar-se um assassino.

A sexualidade de Carlos era dúbia. Nesse ponto ele parecia mesmo uma criança. Pelo menos como foi mostrado no filme de Ortega, 38 anos. O verdadeiro Carlos Robledo Puch era assim? Dizem que haveria muito de ficção na criação do personagem que também seduziu o diretor e, por sua vez, o público também.

Na Argentina, “El Angel”, produzido pelos irmãos Almodóvar, foi o filme mais visto de 2018, apesar de alguns censurarem o clima atrativo que cerca um criminoso narcisista, psicopata, que agia como se o mundo lhe pertencesse, roubando e matando sem remorsos nem escrúpulos.

Carlitos foi chamado de “Anjo da Morte” pela imprensa argentina da época que produziu manchetes escandalosas e poéticas como “ Loucura, Amor e Morte”.

“O Anjo” é um filme atraente, com ótimos atores e produção impecável. Mais um argentino de excelente qualidade.

Um Amor a Cada Esquina

“Um Amor a Cada Esquina”- “She is Funny That Way”, Estados Unidos, 2014

Direção: Peter Bogdanovich

Ele ficou 12 anos sem filmar. E é o lendário diretor de um clássico, “A Última Sessão de Cinema” de 1971. Tinha 32 anos na época e dirigiu um dos mais belos e tristes filmes sobre os jovens numa cidade americana pequena nos anos 50.

Agora, aos 80, Peter Bogdanovich convidou atores engraçados jovens e mais velhos para fazer uma comédia divertida.

Assim, vamos ver Jennifer Aniston, Will Forte, Cybill Sheperd, Richard Lewis e até Quentin Tarantino numa ponta brevíssima, e os mais velhos, Austin Pendleton e George Morfogen, todos em ótima forma.

A história do filme é contada numa entrevista a uma jornalista, e mostrada em “flashbacks”, pela jovem e bela atriz revelação, Isabella Patterson, a antiga Izzy (Imogen Poots).

Tudo começa quando um diretor de teatro de Los Angeles, Arnold Albertson (Owen Wilson), hospeda-se num hotel em Nova York. Ele vai comandar os ensaios para uma nova peça da Broadway mas falta escolher uma das atrizes.

A mulher do diretor, Delta (Kathryn Hahn) é famosa e fará um dos papéis, ao lado do ator Seth Gilbert (Rhys Ifans), seu antigo “affair”. Na peça há um triângulo, envolvendo uma garota de programa.

Aliás, o diretor da peça, que passa muitas noites sozinho, gosta de garotas de programa. E é então que já na primeira noite em Nova York fica conhecendo Izzy (Imoge Poots) que faz esse trabalho mas sonha em ser atriz.

Eles passam bons momentos juntos e, para a surpresa de Izzy, o diretor oferece 30.000 dólares para ela deixar a prostituição e realizar seu sonho.

Arnold tem essa estranha mania de presentear as garotas de programa com enormes somas de dinheiro mas não quer vê-las novamente. Isso vai ser motivo de cenas hilárias, com algumas delas reconhecendo seu benfeitor e correndo atrás dele para renovar os agradecimentos e relatar em voz alta como ele mudou  suas vidas. E isso acontece sempre nos piores momentos, como vocês podem imaginar.

Encontros e desencontros, surpresas e perseguições vão fazer a graça dessa comédia leve e divertida.

Um filme agradável de se ver.

Noiva em Fuga

“Noiva em Fuga”- “The Runaway Bride”, Estados Unidos, 1999

Direção: Gary Marshall

Quando Julia Roberts aparece cavalgando em disparada, vestida de noiva, perdendo pedaços do vestido e do véu pelo caminho, não sabemos ainda que Maggie Carpenter, a personagem dela, está fugindo do altar onde iria se casar.

A cena muda e vemos Richard Gere (Ike Graham), que é jornalista, saindo de casa em Nova York à procura de um assunto para sua coluna diária no jornal. E o tema predileto dele são as mulheres e seus defeitos.

Entra no bar e alguém conta que lá onde mora tem uma moça que deixa seus noivos no altar. E, apesar dessa fama, conseguiu repetir o feito umas seis ou sete vezes.

Pronto. Ike Graham conseguiu o assunto do dia. Vai escrever sobre a moça. “Hit and Run”, será o nome da coluna onde vai descrevê-la como uma “devoradora de homens”.

E quando o jornal chega nas mãos do objeto da coluna, Maggie fica furiosa e vai socar o saco de areia com suas luvas de box. Depois, mais controlada, senta-se e escreve uma carta fulminante para a editora do jornal, exigindo que o jornalista fosse despedido, já que tudo aquilo era inventado. Ele não se dera ao trabalho de pesquisar antes de escrever uma coluna difamatória.

Dito e feito. Despedido, Ike Graham resolve observar essa Maggie Carpenter de perto e colher provas sobre sua conduta bizarra. Chega num carro conversível em Hale, terra dos pêssegos, dizendo:

“- Vim para me vingar. Ela acabou com a minha reputação. Perdi meu emprego. Não saio daqui enquanto ela não plantar o próximo noivo. ”

E aconteceu o encontro temido entre os dois:

“- Não fujo de propósito, como você pensa. E não vou fazer outra vez! ”

Ficamos sabendo que Maggie trabalha na loja do pai. Ele bebe muito depois que a mãe dela morreu e dá muito trabalho para a filha. Estaria aí a explicação para o comportamento de Maggie?

O par de “Uma Linda Mulher” e o diretor não repetiram o mesmo sucesso com esse filme. Mas tem cenas divertidas e Julia Roberts ao lado de Richard Gere fez os fãs matarem as saudades da dupla que é sempre um charme.

Gloria Bell

“Gloria Bell”- Idem, Chile, Estados Unidos, 2018

Direção: Sebastián Lelio

Ela está no bar de um clube noturno que toca músicas dos anos 80, em Los Angeles. Vemos cabelos brancos na pista de dança. Encontra um velho conhecido e ficamos sabendo que é divorciada há 12 anos. Deve ter uns cinquenta e poucos mas Gloria (Julianne Moore) é daquelas mulheres que não aparentam a idade que tem. É bonita. Corpo esbelto, cabelos alourados nos ombros, óculos que não escondem os olhos e dão um charme especial e a pele é suave. Pouca maquiagem. Veste-se com uma elegância discreta.

Seu sorriso é doce, seu riso alegre e gosta de dançar. E há uma procura estampada em seu rosto.

Está naquela idade em que os filhos não precisam o tempo todo da mãe. Vivem suas vidas. Ela os procura mas não é invasiva. Trabalha numa seguradora e vive só em um apartamento pequeno mas jeitoso. Há noites difíceis em que o vizinho de cima surta, grita, xinga a mulher e não a deixa dormir. E tem um gato que, não se sabe como, entra todo dia na casa dela. Delicadamente ela o põe para fora. Mas ele volta porque fareja que ela precisa de companhia tanto quanto ele.

Glória não é uma pessoa deprimida. Toda vez que entra no carro, canta alto as músicas dos anos 80 que escuta e quando limpa a casa dela, também. Sabe todas as letras de cor.

Há nela uma vontade de viver indisfarçável. E esperança de encontrar um companheiro. Mas ela não se mostra aflita, nem aborda quem não conhece.

E numa das noites no clube noturno ela troca olhares com um homem (John Turturro, excelente) e aos poucos começam um namoro.

Divorciado há um ano, Arnold é um ex militar, que parece ainda envolvido, por culpa, com a antiga família.

Gloria vai amar e terá que decidir o que quer para a sua vida.

Julianne Moore faz o papel que foi de Paulina Garcia na primeira versão chilena do filme, premiada como melhor atriz em Berlim em 2013. E o diretor Sebastián Lelio foi convidado pela própria Julianne Moore, que também envolveu-se na produção, para fazer o “remake” em inglês, tendo ela como Gloria.

E ela está divina. Tão expressiva que não precisa falar para comunicar o que sente para o público. Seu belo rosto e seu corpo falam por ela. Somos imediatamente conquistados pela Gloria de Julianne e torcemos para que encontre o que procura.

Este é o segundo filme de Sebastián Lelio em inglês. O primeiro foi “Desobediência” de 2017 com Rachel Weiz. E o diretor ganhou o Oscar de melhor filme estrangeiro 2018 com “Mulher Fantástica”. Ele sabe contar bem  histórias de mulheres.

“Gloria Bell” é um filme com um forte sentimento de procura da sobrevivência amorosa mas nunca às custas de uma falsa liberdade, nem de uma submissão masoquista.

Três Faces

“Três Faces”- “Se rokh”, Irã, 2018

Direção: Jafar Panahi

Quando o filme “Três Faces” foi exibido em competição no Festival de Cannes 2018, o diretor não estava lá. Também não apareceu para receber pessoalmente o prêmio de melhor roteiro da competição oficial, a Palma de Ouro. Uma cadeira vermelha vazia sinalizava a ausência do cineasta.

Por que? Porque Jafar Panahi (“O Balão Branco”) está proibido de viajar para fora do país, o Irã, e também não pode fazer filmes. O regime dos aiatolás o considera um inimigo.

Mas ele conseguiu não obedecer e já são três filmes depois da proibição, que chegam até nós: “Isto Não é um Filme", "Taxi Teerã” e esse “Três Faces”. Todos filmados quase que sem nenhum orçamento e escondido.

“Três Faces” tem um subtexto tocando sutilmente nos problemas do país no que diz respeito à falta de liberdade de expressão. E nada melhor que mostrar como as mulheres são tratadas. O filme se passa numa zona rural na fronteira do Irã com a Turquia e o Azerbaijão. A população tem problemas com a infraestrutura não tendo acesso livre à eletricidade, por exemplo, tendo que conviver com cortes inesperados. Também não há médicos que atendam à população, entregue à própria sorte.

As três faces de que fala o título e, em torno às quais é contada a história, são faces femininas.

A primeira, é a de uma atriz muito conhecida no Irã, Behnaz Jafari que viaja para o interior do país com o diretor do filme. Aqui todos os personagens são eles mesmos, usando seu próprio nome.

Acontece que a atriz está muito preocupada não sabendo se é verdade ou mentira um vídeo que lhe chegou às mãos. Trata-se da jovem Marziyeh, desesperada, pedindo sua ajuda e parecendo querer suicidar-se porque não a deixam estudar no Conservatório de Teerã. A família quer impedir que ela realize seu sonho de ser atriz e quer casá-la contra sua vontade. Ela é a segunda face.

A terceira é a de uma antiga atriz, Sharzad, que atuava como dançarina nos filmes de antes da revolução dos aiatolás e que vive isolada e só na mesma aldeia. É considerada mau exemplo para as meninas de lá.

O diretor, que também é tolhido em seus direitos de expressão, identifica-se com essas mulheres que sofrem ao serem subjugadas pelas famílias tradicionais através do machismo reinante.

A população da zona rural visitada ainda obedece a regras não escritas e acredita em crenças supersticiosas.

Jafar Panahi não julga. Apenas retrata o estado de coisas nessa região e mostra como o Irã ainda guarda uma cultura fechada a inovações, o que interessa ao governo do país.

Minha Obra Prima

“Minha Obra Prima”- “Mi Obra Maestra”, Argentina, Espanha, 2018

Direção: Gastón Duprat

Quem viu “O Cidadão Ilustre” e adorou, vai gostar do novo filme de Gastón Duprat, que também fala sobre o mundo da cultura. Ao invés de um escritor, aqui temos um pintor e um dono de galeria em Buenos Aires, ligados por uma longa amizade. O pintor conheceu a glória nos anos 80 e seu amigo “marchand” ganhou muito dinheiro.

Arturo Silva (Guillermo Francella) é um galerista esnobe, vestido de acordo, com óculos que vão se modernizando conforme o tempo passa e o conhecemos quando os quadros do amigo Renzo Nervi (Luis Brandoni), em exposição em sua galeria, não vendem. Nem um, apesar dos esforços de Silva em colocar Nervi como um pintor sem igual, o melhor da Argentina.

Nervi é um velho misantropo, não dá entrevistas nem comparece à abertura de suas próprias exposições. Vive numa casinha acanhada entulhada de coisas que o pintor coleciona porque o inspiraram certa vez, numa bagunça total. E claro, grandes telas por todo o lado porque Nervi faz na vida o que gosta, que é pintar.E tem a companhia de seus cachorros e um gato que se esparramam pelos sofás e poltronas da casa.

Outro habitante da casa é Laura (MariaSoldi) uma garota que é aluna de Nervi e namorada, quando isso apetece a ela. Nem sempre tal desejo combina com a hora que o pintor engole a pílula azul.

E tudo correria mal, se não fosse por um acidente que sofre o pintor, que sai vivo mas desmemoriado e muito deprimido:

“- Ah ,,, melhor seria se eu tivesse morrido”, lamenta Nervi, deitado na clínica, frente a seu amigo.

Arturo Silva pula da cadeira. Teve uma ideia genial.

O roteiro é do irmão do cineasta, Andrés Duprat, que conhece o mundo da arte de perto, já que ocupa o lugar de diretor do MNBA, o Museu Nacional de Belas Artes da Argentina. Seu posto foi de grande auxílio para falar do mercado de arte e suas manhas, porque é um “insider”. Mas não é esse o foco principal do roteiro, cheio de surpresas e diálogos cínicos e divertidos. E um achado é a personagem Dudu, uma morena alta maravilhosa e esperta, vestida com elegância “artsy” que discute negócios e preços com Arturo Silva.

A direção de arte de Cristina Nigro e a fotografia de Rodrigo Pulpeiro criam um filme que tem cenas que sempre parecem quadros, na cor escolhida, ocupação de espaço e objetos que dão personalidade aos personagens.

Os quadros exibidos são de um pintor já falecido, Carlos Gorriarena.

“Minha Obra Prima” é outo filme argentino excelente, divertido e inteligente.

Duas Rainhas

“Duas Rainhas”- “Mary Queen of Scots”, Reino Unido, Estados Unidos, 2018

Direção: Josie Rourke

A Rainha Mary da Escócia foi decapitada em 8 de fevereiro de 1587, tendo sido acusada de tramar pela morte de Elizabeth I da Inglaterra, de quem foi prisioneira por 18 anos, habitando vigiada e sem direitos vários castelos ingleses.

Quando o filme “Duas Rainhas” começa, Mary da Escócia tinha tido conhecimento da sentença de morte e passara a noite rezando. Quando subiu ao cadafalso usava um vestido preto de veludo. Despiu-se e ostentou a roupa vermelha que usava por baixo, cor do martírio na religião católica. Mary tinha 44 anos e sempre se disse inocente.

A história dessas duas rainhas é contada no filme da diretora Josie Rourke ora mostrando cenas da vida de Mary, rainha da Escócia, ora da de Elizabeth I, rainha da Inglaterra.

Uma única ilha, duas primas, ambas rainhas. A da Inglaterra era anglicana, religião protestante que não aceitava o Papa, instaurada por seu pai, Henrique VIII. Sua mãe era Ana Bolena. A da Escócia era católica, filha do rei Jaime V da Escócia e Maria de Guize.

Mary, aos seis dias de idade, com a morte do pai, tornou-se rainha da Escócia. Viveu a infância e a juventude na França, enquanto seu trono era ocupado por regentes. Voltou à Escócia e assumiu o trono e mais tarde abdicou em favor do filho Jaime que, no futuro reinaria como Jaime V, rei da Inglaterra e da Escócia, unindo finalmente os dois reinos, depois da morte de Elizabeth I.

Elizabeth I, a rainha virgem, como era conhecida, nunca se casou nem teve filhos. Subiu ao trono com 25 anos e seu reinado durou 45 anos. Foi sucedida pelo filho de Mary.

A Rainha da Escócia era bela e alta, a da Inglaterra era dez anos mais velha e tinha o rosto marcado pela varíola. Elas se enfrentaram pelo direito ao trono da Inglaterra e houve um conflito de sentimentos profundo. Poderiam ter sido aliadas essas inimigas por causa da briga pelo poder?

Mary era a mais livre das duas e Elizabeth temia os homens. Menina, a futura rainha da Inglaterra, aos seis anos de idade viu o pai mandar matar sua mãe, Ana Bolena, que tinha 32 anos, e era a segunda esposa de uma série de oito. Ela pertencia a uma das famílias mais influentes da nobreza inglesa.

Saoirse Ronan faz Mary com vigor e alegria e viver, combativa e calorosa. Margot Robbie interpreta uma Elizabeth mais arredia, tão orgulhosa quanto frágil e ao mesmo tempo implacável contra Mary, de quem assinou a sentença de morte sem ter certeza de sua culpa por alta traição.

Apesar de rainhas, as duas sofreram com os homens que as cercavam e jogavam uma contra a outra, pensando em benefício próprio. Mary casara cm o rei da França muito jovem e com um lorde inglês mas não foi feliz no amor. Elizabeth dizia-se “homem” e se afastava de qualquer ideia de casamento e filhos.

A única cena em que as duas rainhas se encontram só acontece no filme mas define os contrastes entre as duas personalidades.

As atrizes estão magníficas, a produção de arte é cuidadosa e elegante em todos os detalhes, os figurinos esplêndidos e a natureza da ilha é mostrada em toda sua grandeza.

Belo filme.

Vox Lux - O Preço da Fama

“Vox Lux - O Preço da Fama”-“Vox Lux”, Estados Unidos, 2018

Direção: Brady Corbet

Num filminho caseiro aparecem duas meninas, a mais velha em primeiro plano, com chapéu de cowboy, dançando. Celeste, a menor e Eleanor, a maior.

A voz de Willem Dafoe faz a narrativa e diz que Celeste nasceu na América em 1986. Ela não era especial nem talentosa mas possuía aquele “algo” que chamava a atenção. “No começo era gentil e cheia de graça” diz, “mas olhem bem para ela. Já tem o jeito de uma empresária.”

Entendemos que o filme vai contar a história de Celeste. E somos surpreendidos com um ataque a tiros na sala onde iria acontecer uma aula de música, depois dos feriados de Natal.

Celeste (Raffey Cassidy) pede ao menino armado que poupe as crianças. Sugere ficar com ele na sala:

“- Para orarmos juntos.”

Então o adolescente começa a atirar com fúria. Atinge Celeste que se salva por milagre.

Estamos em 1999 e esse é o “Prólogo” da história. Passamos ao “Gênesis 2000”.

Na cerimônia “in memoriam” aos alunos mortos, Celeste encanta com uma voz de anjo, acompanhada no teclado pela irmã (Stacy Martin). A TV mostra e um empresário aparece (Jude Law).

A canção torna-se um sucesso e Celeste inicia uma carreira como cantora. Aos 14 anos ela já se mostra sexy. Mas logo começa a surgir uma outra Celeste que aprende a gostar de beber e misturar com os analgésicos fortes que tem que tomar por causa das dores causadas pela bala alojada na cervical, lembrança cruel do tiro que levou na escola.

Em Los Angeles onde grava um vídeo encontra um roqueiro e acontece a primeira transa. Sobre as músicas que canta diz:

“- É isso que eu gosto na música pop. Não quero que as pessoas pensem muito. Quero que se sintam bem.”

Mas ela mesma tem pesadelos recorrentes sendo duas, dirigindo num imenso túnel, “onde jaz um corpo não morto mas sem vida.”

O 9/11 acontece. E as irmãs se afastam.

Vem agora o “Ato II Regênesis 2017”.

Celeste tem 31 anos e uma filha adolescente (Raffey Cassidy, em papel duplo) que mora com sua irmã. Elas se odeiam ou pelo menos é isso que Celeste diz para a filha:

“- Ela nunca encontrou o que eu encontrei. Por isso tem inveja.”

Natalie Portman interpreta com raiva e intensidade a Celeste que chegou onde queria mas que pagou um preço alto. Nunca se refez do trauma do atentado da escola com o qual se beneficiou e, por causa da culpa, parece impedir-se inconscientemente de desfrutar da fama alcançada. Bebe muito, vive drogada e o companheiro a abandonou por uma mais nova. Seu belo rosto está quase sempre contorcido.

É agora que vai acontecer o terceiro atentado que marca a vida de Celeste. Numa praia da Croácia, terroristas usando a mesma máscara dourada que aparecia no vídeo dela, matam centenas de turistas.

E o jornalista pergunta a Celeste:

“- Você diria que houve uma mudança em nossa cultura que fez com que grupos niilistas tenham cada vez mais interesse em ser vistos como “superstars”?”

O sucesso da violência é uma marca de nossos tempos Fazem as maiores manchetes na mídia.

Esse é o “Finale XXI” do filme que Brady Corbet escreveu e dirigiu. É o seu segundo longa, aos 30 anos. Dedicou-o ao diretor Jonathan Demme (1944-2017) de “O Silêncio dos Inocentes”.

E a gente sai meio zonza do cinema pensando em tudo isso e tentando encontrar um sentido no talvez ainda inexplicável. Tudo ficou pior?